PABLO GENOVES

La cultura conquistada por la naturaleza, o la naturaleza aprisionada por la cultura?
En las imágenes de Pablo Genovés, la pugna entre ambas se ha hecho eterna, y ya no es posible discernir quién agrede a quién. La lucha por la apropiación del espacio deriva en escenas de destrucción, de fin de una época, haciendo un guiño a los presagios catastrofistas que hoy, más que nunca, aguzan el imaginario colectivo. A su vez, estas imágenes proceden de realidades preexistentes: estampas antiguas que el artista revisita y transfigura, liberando la imagen fotográfica de su eterna vigencia, dotando a los elementos del pasado de una nueva capacidad de evocación.

En los fotomontajes de Genovés, el mundo -ese que creemos habitar- parece haber sido destruido hace ya mucho tiempo. De él sólo queda una representación: su aspecto, su forma y sus reflejos, pero sin rastro de lo humano. Así, la llegada violenta de la naturaleza ya no puede quitarle la vida. Sólo, acaso, devolvérsela

Precipitados propone un viaje de despedida a todo aquello que algún día fue emblema de nuestros logros. La destrucción física de estos espacios no es sino la materialización de una destrucción anterior, -actual y nuestra-, cuyos signos son tan vacilantes y ambiguos como la veracidad de una vieja estampa.

Contextos para el asombro
¿Qué lugares exigen respeto y veneración? ¿En qué momento, en la entrada a qué espacio, respiramos de modo distinto como quien se prepara para lo extraordinario?

Todos los espacios precipitados provocan ese tipo de emoción. Son contextos para el asombro: lugares en los que admirarse de todo lo que el género humano ha alcanzado, donde se resguardan las expresiones máximas de virtud, sabiduría y excelencia; y cuyo propio simbolismo ha sido capaz de sacralizar. Teatros, iglesias, palacios. Escenarios para el encuentro entre los hombres y en los que, sin embargo, la figura humana no está presente. En su lugar encontramos representaciones -retratos y ficciones- cuyo valor es mayor que el de los hombres que las crearon o inspiraron. En definitiva, se trata de signos destinados a la posteridad cuyo objetivo es revelar, aún hoy, aquello que llegamos a ser.

Esta idea de pervivencia es intrínseca al arte de la fotografía, que, a su vez, ha sido consciente de su responsabilidad en la construcción del discurso histórico, social y estético de la trayectoria del hombre. En los años 20, August Sander recorría toda Alemania en busca de arquetipos sociales (el médico, el maestro, la madre de familia, etc.) cuyos retratos debían componer un muestrario de la realidad social del país, una realidad que Sander ya intuía en su final. En los años 80, los fotógrafos de la escuela de Dusseldorf retratarán otra Alemania en declive, la de la RDA, esta vez a través de los espacios industriales que en poco tiempo quedarían obsoletos; y desde esta conciencia testimonial los retrataron y catalogaron, con el mismo afán taxonómico con que el etnólogo caza últimos ejemplares de mariposas para coleccionarlos en una vitrina.

Reflexiones sobre el fin de una época
Pablo Genovés, en la línea de la escuela de Dusseldorf (y en especial de su aventajada discípula Candida Höffer), elabora su discurso a través de los últimos instantes de las cosas, participando de la reflexión sobre el fin de una época. Sin embargo, Pablo Genovés responde a la perspectiva científica proponiendo, paradójicamente, la imagen antigua como auténtico territorio de reflexión. Como si la idea atemporal de Teatro, Iglesia o Palacio ya no estuviera presente en las fotografías que actualmente pueden tomarse de ellos. Así, cuando Genovés acude a la estampa antigua, parece ser consciente de la desacralización de la imagen actual. Sus obras conservan el carácter insólito y mágico de la estampa para, desde ella, arrojar luz sobre los paisajes olvidados de la memoria.

No obstante, esos lugares precipitados que la fotografía resguardó del paso del tiempo, son ahora puestos a prueba. La irrupción súbita de la naturaleza cuestiona su resistencia y, en último término, podrá liberar la imagen de una vigencia que se suponía eterna. Encrucijada de tiempos, naturaleza frente a civilización. Las consecuencias de esta pugna pertenecen al terreno de lo impredecible.

Biografía de Pablo Genovés
Pablo Genovés, (Madrid, 1959) ha impuesto su sello personal y diferente en la fotografía actual española. Actualmente vive y trabaja entre Madrid y Berlín.

Su obra puede leerse como una indagación en los signos de la memoria, símbolos de un pasado colectivo y reciente que el artista extrapola y transforma en un continuo proceso de resignificación. Sus imágenes configuran territorios introspectivos, fronteras entre la evocación y el ensueño, en los que el propio soporte artístico es parte esencial del discurso: la combinación de técnicas fotográfico-digitales y de elementos pictóricos dota a sus obras de un carácter inédito y difícilmente clasificable. En esta encrucijada de lenguajes, Genovés propone una nueva relación con el espectador en la que lo insólito y lo inesperado juegan un papel definitivo.

En la serie Extravíos (1995-99), esta fusión de técnicas de reproducción genera texturas mixtas e inciertas, propuestas al espectador como huellas confusas del tiempo. El artista formula una iconografía de la vieja felicidad, formada en gran medida por los rostros del cine norteamericano de los años 30 y 40. En Sucedáneos (1999-2003) las imágenes de tartas, joyas o manos de mujer se muestran como objetos de deseo y tentación que ostentan al mismo tiempo la imposibilidad de ser poseídos.

Las imágenes de Viaje interior (2004-2008) presentan formas de vida creadas digitalmente, entes insólitos con ecos de ciencia-ficción y que interfieren en paisajes del pasado, generando un diálogo entre tiempos.

En la actual Precipitados (2008-2009), espacios emblemáticos de nuestra cultura entran en contacto con elementos naturales (agua, hielo, arena). La reflexión sobre la perennidad de los recuerdos aporta, al mismo tiempo, una nueva lectura sobre el papel documental de la imagen fotográfica.

Expuesta en toda España, la obra de Pablo Genovés ha sido además presentada (individual y colectivamente) en Francia, Alemania, Inglaterra, Argentina y EEUU. Sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas tanto españolas como internacionales.

WILLIAM EGGLESTON

William Eggleston (nacido el 27 de julio 1939) es un americano fotógrafo . Él es ampliamente acreditado con el reconocimiento cada vez mayor de la fotografía en color como un legítimo artística medio para mostrar en galerías de arte.

Primeros años

William Eggleston nació en Memphis, Tennessee y creció en Sumner, Mississippi . Su padre era ingeniero y su madre era la hija de un juez local prominente. Cuando era niño, Eggleston era introvertido, le gustaba tocar el piano, dibujar y trabajar con la electrónica. Desde muy temprana edad, se sintió atraído también a los medios visuales, y al parecer disfrutaba comprando tarjetas postales y recortar imágenes de revistas.

A la edad de 15 años, Eggleston fue enviado a la Escuela Webb , un internado. Eggleston recordó más adelante algunos buenos recuerdos de la escuela, decirle a un periodista: "Si hubiera una especie de rutina espartana de" construir el carácter '. Nunca supe lo que tenía que decir. Era tan insensible y mudo. Era el tipo de lugar donde se consideraba afeminado que gusta la música y la pintura. " Eggleston era inusual entre sus colegas al evitar las actividades tradicionales del sur masculinos de caza y deportivas, a favor del desarrollo de las artes y de la observación del mundo. Sin embargo, Eggleston señaló que nunca se sintió como un extraño. "Nunca he tenido la sensación de que no encaja", dijo a un periodista: "Pero probablemente no lo hice". 

Eggleston asistió a la Universidad de Vanderbilt por un año, Colegio Delta State por un semestre, y la Universidad de Mississippi (Ole Miss) durante unos cinco años, ninguna de estas experiencias resultan en un grado de la universidad. Sin embargo, fue durante estos años universitarios que su interés por la fotografía echó raíces: un amigo de Vanderbilt dio Eggleston una Leica cámara. Eggleston estudió arte en Ole Miss y se introdujo en el expresionismo abstracto , visitando pintor, Tom Young.

Desarrollo artístico

Primeros esfuerzos fotográficos Eggleston se inspiraron en la obra de origen suizo fotógrafo Robert Frank , y por el fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson libro 's, The Decisive Moment . Eggleston recordó más adelante que el libro era "el primer libro serio que encontré, de muchos libros horribles ... no lo entiendo un poco, y luego se hundió, y me di cuenta, mi Dios, esto es un gran uno ". ^[ 1 ] Primera fotografía en negro y blanco, Eggleston comenzó a experimentar con color en 1965 y 1966 después de haber sido introducido en el medio por William Christenberry . película de color de transparencia se convirtió en su medio dominante en la década de 1960 tarde. desarrollo Eggleston como fotógrafo parece haber tenido lugar en un relativo aislamiento de otros artistas. En una entrevista, John Szarkowski de Nueva York, Museo de Arte Moderno (MoMA) describe la primera de 1969 el encuentro con el Eggleston joven como "absolutamente de la nada". Después de revisar el trabajo de Eggleston (que él recuerda como una maleta llena de impresiones en color "farmacia") Szarkowski convenció al Comité de Fotografía del MoMA para comprar una de las fotografías de Eggleston.

En 1970, un amigo de Eggleston William Christenberry le presentó a Walter Hopps , director de Washington, DC de la Galería Corcoran . Hopps informó más tarde que se "sorprendió" por el trabajo de Eggleston: "Nunca había visto nada igual."

Eggleston profesor en Harvard en 1973 y 1974, y fue durante estos años cuando descubrió tinte de transferencia de impresión , que estaba examinando la lista de precios de un laboratorio fotográfico en Chicago cuando leyó sobre el proceso. Como más tarde Eggleston recuerda: "anuncian" desde el más barato de la impresión final. " La impresión final era un tinte de transferencia. Me fui directamente hasta allí para ver y todo lo que vi fue un trabajo comercial como imágenes de los paquetes de cigarrillos y botellas de perfume, pero la saturación de color y la calidad de la tinta era abrumadora. Yo no veía la hora de ver lo que una simple imagen Eggleston se vería con el mismo proceso. Cada fotografía que posteriormente se imprimen con el proceso parecía fantástico y cada uno parecía mejor que el anterior ". El proceso de transferencia de colorante dado lugar a algunas de las obras más notable y famoso Eggleston, como su fotografía titulada 1973 La Red de techo , de los cuales Eggleston dijo: " El Techo Rojo es tan poderoso, que en realidad nunca he visto reproducida en la página a mi entera satisfacción. Cuando nos fijamos en el tinte que es como la sangre roja que está mojado en la pared .... Un poco de rojo suele ser suficiente, pero para trabajar con una superficie roja entera era un reto. "

En Harvard, Eggleston preparó su primera cartera, titulado 14 Fotos (1974). Eggleston trabajo fue exhibido en el MoMA en 1976. Aunque se trataba de más de una década después MoMA había expuesto fotografías en color por Ernst Haas,  el cuento de que la exposición Eggleston era la primera exposición del MoMA de la fotografía en color se repite con frecuencia, ^{[ n 1 ]} y el espectáculo de 1976 se considera como un momento clave en la historia de la fotografía, marcando "la aceptación de la fotografía en color de la más alta institución validar" (en palabras de Mark Holborn .

En todo el tiempo de su exposición MoMA 1976, Eggleston se introdujo en Viva , el Andy Warhol "superestrella", con quien comenzó una larga relación. Durante este período Eggleston se familiarizó con el círculo de Andy Warhol, una conexión que puede haber ayudado a fomentar la idea de Eggleston de la "cámara democrática", Mark Holborn sugiere. También en la década de 1970 experimentó con vídeo Eggleston, produciendo varias horas de metraje Eggleston aproximadamente editado llamadas Stranded in Canton .Escrito por Richard Woodward, quien ha visto las imágenes, lo asemeja a una "película casera demente", mezclando tomas de licitación de sus hijos en casa con planos de los partidos borrachos, orinar en público y un hombre mordiendo la cabeza de un pollo antes de una multitud que lo vitoreaba en Nueva Orleans. Woodward sugiere que la película es un reflejo de Eggleston "naturalismo-una audaz creencia que mirando pacientemente a lo que otros ignoran o apartar la mirada de las cosas interesantes se pueden ver."

Libros publicados Eggleston y carteras, como Los Alamos (en realidad terminó en 1974, antes de la publicación de la Guía ) la enorme víspera de las elecciones (1976, un portafolio de fotografías tomadas alrededor de Plains, Georgia antes de la elección presidencial de ese año), la moral de la Visión ( 1978) y Flores (1978); Wedgwood azul (1979),Seven (1979); Troubled Waters (1980), El Proyecto de Louisiana . (1980) Graceland William Eggleston (1984) es una serie de fotografías encargadas de Elvis Presley 's Graceland, la casa que representa a la cantante como una tumba sin aire y sin ventanas en medida de mal gusto. ^[ 6 ] Otras series incluyen The Forest Democrática (1989),Mississippi de Faulkner (1990), y Antigua y Moderna (1992).

Algunas de sus primeras series no se ha demostrado hasta la década de 2000 tarde. Los retratos Nightclub (1973), una serie de grandes y negro retratos en blanco en bares y clubes alrededor de Memphis era, en su mayor parte no se muestra hasta el 2005. ^[ 7 ] Lost and Found , parte de Eggleston Los Alamos serie, es un conjunto de fotografías que han permanecido oculto durante décadas, ya que hasta 2008 no se sabía que pertenecían a Walter Hopps ;. las obras de esta serie de crónica de los viajes por carretera el artista tomó con Hopps, saliendo de Memphis y viajar hasta la costa oeste ^[ 8 ] no también Editioned hasta 2011, Eggleston Electorales Eve fotografías fueron tomadas antes de laelección presidencial de 1976 en Plains, Georgia , la sede rural de candidato a la presidencia de Jimmy Carter , ya lo largo de la carretera de Memphis, Tennessee

Eggleston también colaboró ​​con cineastas, fotografiando el conjunto de John Huston 's película Annie (1982) y la documentación de la fabricación de David Byrne 's película True Stories (1986).

Fue galardonado con la Royal Photographic Society 's Special Medalla 150 Aniversario y la Beca de Honor (HonFRPS) en reconocimiento a una contribución sostenida y significativa para el arte de la fotografía en 2003. 

Eggleston estética

Trabajo maduro de Eggleston se caracteriza por su ordinario objeto. Como Eudora Welty se señaló en su introducción a El Bosque Democrática , una fotografía Eggleston podría incluir "los neumáticos viejos, máquinas de Dr Pepper, descartados los acondicionadores de aire, máquinas expendedoras, botellas de Coca-Cola vacías y sucias, carteles rotos, postes de electricidad y los cables de alimentación, barricadas en las calles de un solo sentido, signos, señales de desvío, no hay signos aparcamiento, parquímetros y palmeras que llenaban el bordillo mismo ".

Eudora Welty sugiere que Eggleston ve la complejidad y la belleza del mundo terrenal: "Los extraordinarios y convincentes, fotografías honestas, hermosas y despiadado todas tienen que ver con la calidad de nuestras vidas en el mundo actual: logran mostrarnos el grano de el presente, al igual que la sección transversal de un árbol .... Se centran en el mundo terrenal. Pero no tema está más llena de implicaciones que el mundo terrenal! " Mark Holborn, en su introducción al Antiguo y Moderno escribe sobre el trasfondo oscuro de estas escenas mundanas como se ve a través del objetivo de Eggleston: "[Eggleston] temas son, a primera vista, los habitantes ordinarios y los alrededores de los suburbios de Memphis y Mississippi - amigos, familiares, barbacoas, patios traseros, un triciclo y el desorden de lo mundano. La normalidad de estos temas es engañoso, por detrás de las imágenes hay una sensación de acecho peligro ". Artista estadounidense Edward Ruscha, dijo del trabajo de Eggleston, "Cuando ves una foto que ha tomado, usted está entrando en una especie de mundo irregulares que parece como World Eggleston". 

Según Philip Gefter de Art & Auction , "Vale la pena señalar que Stephen Shore y William Eggleston, pioneros de la fotografía en color en la década de 1970, pidió prestado, de manera consciente o no, de los photorealists. Su interpretación fotográfica de la American Gas vernáculo estaciones , los comensales, un montón de aparcamiento, se predijo en las pinturas fotorrealistas que precedieron a sus imágenes ". 

Publicaciones Notables

El primer uso comercial del arte Eggleston estaba en portadas de discos para el Memphis grupo Big Star , con quien Eggleston grabada para el álbum Third / Sister Lovers y que utiliza la famosa imagen de techo rojo en su álbum Radio City . Posteriormente registros también tenía otras imágenes Eggleston , incluyendo las muñecas en una campana de Cadillac en la portada del clásico de Alex Chilton álbum como moscas en Sherbert . The Primal Scream álbum Da cabo, pero no te rindas ofrece una fotografía recortada de una bandera confederada de neón y una palmera por Eggleston . En 1994, Eggleston permitió a su viejo amigo y colega fotógrafo Terry Manning utilizar dos fotografías de Eggleston para la portada y la contraportada de la edición en CD de Christopher Idilios , un álbum de música etérea guitarra acústica producida por Manning y realizada por otro amigo Eggleston , gimmer Nicholson.

En 2006, una imagen de William Eggleston se utilizó coincidentemente tanto como la cubierta para Primal Scream 'single s " Country Girl "y la edición de bolsillo de Ali Smith 's novela The Accidental . La misma imagen ya había sido utilizada en la portada de Chuck Prophet 's Edad de los Milagros álbum en 2004.

En 2001, William Eggleston fotografía de "Memphis (1968)" fue utilizada como portada de Jimmy Eat World 's álbum de mayor venta Bleed American . Fotografías de Eggleston también aparecen en Números Tanglewood por la Judios Plata , Joanna Newsom y la Banda de Ys Street por Joanna Newsom y Transferencia de Spoon .

Eggleston publicaron un cuerpo de trabajo en 2003 titulado "Los Álamos" (Zurich: Scalo), que contó con sus fotografías desde 1966 hasta 1974. De acuerdo con la introducción de Walter Hopps, el título del libro se deriva de Eggleston deseo de tener su laboratorio secreto.

Los documentales y presentaciones

Eggleston es el tema de Michael Almereyda documental 's retrato William Eggleston en el Mundo Real (2005) y por los caminos: Un viaje con William Eggleston (2007), dirigida por Vincent Gérard y Cédric Laty. Este último fue seleccionado para el Premio del Jurado en Sundance 2006.

Eggleston aparece en un anuncio impreso para Marc Jacobs ropa, junto a Charlotte Rampling , fotografiada por Juergen Teller . Él aparece en la película Gran bola de fuego comoJerry Lee Lewis padre.

Exposiciones

Eggleston trabajo ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo como "William Eggleston y la tradición Color", el J. Paul Getty Museum , Los Angeles (1999), "William Eggleston," Fondation Cartier , París (2001, viajó a Hayward Gallery , Londres), Documenta 11 , Kassel, Alemania (2002), "William Eggleston: Los Alamos", Museo Ludwig , Colonia, Alemania (2002, viajó con la Fundación Serralves , Portugal, Museo Nacional de Arte Contemporáneo , Oslo, Noruega, Louisiana Museum of Art, Humlebaek, Dinamarca, Albertina , Viena, Austria, y San Francisco Museum of Modern Art , San Francisco, California, Dallas Museum of Art , Dallas, Texas a 2005). En 2008, el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York montó la exposición retrospectiva "William Eggleston: Cámara Demócrata, Fotografia y Video 1961-2008", del artista Nueva York el primer museo en solitario desde su debut en 1976, ^[ 6 ] co-organizado con Haus der Kunst de Munich, la Galería Corcoran , Washington, DC, y el Instituto de Arte de Chicago , y el Los Angeles County Museum of Art 

Mercado del arte

En 2012, tres docenas de Eggleston mayor formato impresiones - 40 por 66 pulgadas en lugar del formato original de 16 por 20 pulgadas - se vende por $ 5,9 millones en una subasta en Christie para beneficiar a la Fundación Eggleston Artistic, una organización dedicada a la preservación de la obra del artista. Nueva York coleccionista de arte Jonathan Sobel posteriormente presentó una demanda en los EE.UU. Tribunal de Distrito en contra de Eggleston, alegando que la decisión del artista de imprimir y vender versiones de gran tamaño de algunas de sus famosas imágenes en una subasta ha diluido la rareza y por lo tanto el valor de reventa de la originales.